МЕЖДУ ЛИНИЙ

Каждая картина московского сюрреалиста Адиля Аубекерова – это одновременно чувственный гимн жизни и бескомпромиссный манифест творца, состоящий из динамичных линий и точных цветовых попаданий.

В этом номере BLVD художник ответил на вопросы о своем понимании чистой красоты и ответственности перед зрителем.

ИНТЕРВЬЮ ЮЛЯ ЗОЛКИНА

ФОТО НИКИТА ШАЛЕТИН

СТИЛЬ АННА ЗУБКОВА

МАКИЯЖ И ГРУМИНГ САША ВАРСУНИНА

  • "Желток" / Yolk, 2017
  •  

Адиль, скажи, как твое творчество соотносится с сюрреализмом?

Напрямую. Чаще всего я использую свое воображение – плюс различные объекты, эмоции, чувства – и передаю это на холст либо на бумагу, то есть соответственно происходит некое совмещение реального и нереального, похожего на сны и многое другое.

Твой творческий метод похож на технику художницы-вундеркинда Нади Рушевой. Важно ли для тебя в принципе мастерство рисунка? Что ты как зритель сам ищешь в живописи, которую видишь на выставках и в музеях?

Да, у нас с Надей Рушевой действительно много общего: я тоже не использую ластики, не делаю карандашные наброски – ничего не накидываю, а сразу пишу. Я люблю смелые, хлесткие, легкие, четкие, динамичные линии. Естественно, мастерство рисунка очень важно. Я очень долго к этому шел, исписал далеко не один скетчбук, не одну пачку бумаги, чтобы прийти к тому результату, который имею сейчас. Только каждодневный труд сделает линию достойной, а линия – это природное начало, по сути, это чистая красота. В живописи выставок я ищу отклик внутри себя, тот эффект, что я не могу найти в повседневной жизни, – детали, мастерство, гениальность.

Твои работы часто можно встретить как в популярных пабликах, так и просто чьих-то личных музыкальных постах – я сама этим грешу. Как паблики выходят на тебя и что ты чувствуешь при этом? Есть ли от этих публикаций выхлоп – и вообще, круто ли быть популярным в интернетах художником?

Безусловно, это очень круто – видя такие посты, я лишний раз убеждаюсь, что искусство и красота живут и будут жить, что в этом есть смысл. Это мотивация, меня это вдохновляет. В общем, я всегда очень и очень рад – и спасибо всем, кто это делает! Выхлоп – достаточно специфическое понятие, но да, он есть – начиная от знакомств с самыми разными людьми до заказов на мое творчество в частных либо коммерческих целях.

Продолжая тему соцсетевого хайпа – пишут ли тебе поклонники твоих работ? И если пишут, то о чем? Чем, на твой взгляд, отличается популярность сетевая (даже материально, физически существующих работ) от реальной – назовем ее галерейной?

Да, это невероятно приятно (улыбается). Пишут самые разные вещи: благодарят, делятся чувствами по поводу тех или иных работ, часто получаются рассуждения о моей жизни, философии, взгляде на те или иные вещи, творческом пути. Для меня это не просто похвала – это ответственность, которую я несу как перед собой, так и перед своими зрителями. Люди хотят наблюдать за дальнейшим развитием художника, и они, как правило, об этом пишут. Поэтому у меня нет возможности отступать. Говоря о реальной популярности и сетевой – никакой разницы нет. Сегодня тот, кто популярен в сети, тот популярен и в реальности, и наоборот.

К слову. Что самое привлекательное в жизни художника?

Самое привлекательное – это, определенно, возможность погружения в иную реальность, которая находится у тебя в подсознании. И ты всем этим просто наслаждаешься, тебя это заставляет рисовать, творить и пробовать.

Какое значение фестивали имеют для современного художника в качестве средства популяризации его искусства, его творческой жизни? На какие фестивали за рубежом тебе хотелось бы попасть в качестве участника?

Я участвовал в таком мероприятии однажды – это был ежегодный фестиваль техно-музыки Outline 2016 в Москве, где я делал две стены, одну из которых выступающий там музыкант, Филипп Горбачев, взял себе на обложку пластинки. Фестиваль был очень крутой, во время его подготовки я познакомился с массой интересных творческих людей. Но при этом я осознал: то искусство, которое мне хочется делать, – оно, скорее всего не фестивальное, а галерейное. Фестивали, как правило, носят музыкальный характер, а визуальная составляющая является дополнением, фоном, по сути, это всего лишь стилизация того или иного проекта. Через год после Outline я окончательно убедился, что это не мой формат. Художники любят фестивали и стремятся попасть на них, потому что такие площадки посещают тысячи зрителей и это хорошая реклама. Но зрители бывают разные – как и художники, и музыка. Это хорошо, если ты хочешь хайпа, но бесполезно, если ты хочешь в Tate Modern или в MoMA. Для художников есть специализированные фестивали – Art Basel, например. Вот туда я бы и хотел попасть. 

  • "Магия синего" / Magic of the Blue, 2017

Расскажи, пожалуйста, как ты попал в Москву из Астрахани – и имеешь ли какое-либо отношение к Казахстану? Не возникало желание уехать еще куда-то?

Изначально я пробовал ездить в Питер, это было три-четыре года назад. Волей случая меня занесло в Москву для выполнения заказа (хотя я считал ее очень большим городом и честно думал, что там не до меня). Но моя теория была опровергнута сразу: я легко влился в ритм города, мое творчество нашло отклик у московского зрителя – и я решил остаться. Само собой, не навсегда (улыбается). На данный момент я интересуюсь европейскими галереями, но пока все в секрете. Отношение к Казахстану... Я пока там не был, но очень хочу побывать, думаю, что все впереди.

Насколько ты, скажем так, плодовит как творец? Сколько времени и сил уходит на каждую работу и от чего это зависит?

Я пишу каждый день. Какие-то работы занимают десять минут, какие-то – месяц. Все зависит от вдохновения, идеи. Часто бывает так: то, что я писал месяц назад, уже сильно отстает от новых работ, и приходится их пересматривать, дописывать, что-то добавлять.

 

  • "Закат" / Sunset, 2017
  • "Жажда", фрагмент / Thirst, fragment, 2017
  • "Муза" / Muse, 2017

Расскажи о своей мастерской – как она создавалась, в какой момент ты почувствовал в ней необходимость? Какой этап для художника в принципе значит наличие мастерской?

Для меня мастерская – это не этап, а прямое средство для достижения лучшего результата, как более дорогие краски, например. Если ты рабо-таешь с большими форматами или материалами, которые очень резко и своеобразно пахнут, то тебе просто необходимо помещение, в котором ты можешь все это использовать. Сейчас моя мастерская – это квартира в Подмосковье, которая изначально создавалась специально для того, чтобы тут творить: здесь профессиональный студийный свет, высокие потолки, минималистичный дизайн. Не могу сказать, что я ее создал, но я очень рад, что нашел ее.

Кто из современных художников, перформансистов, скульпторов достоин внимания? С кем из них ты общаешься?

Как такого круга вращения у меня нет, все свое время я трачу на твор-чество, да я никогда и не любил светских выходов, вечеринок. По сути, мой круг – это жена и несколько знакомых, с которыми и то удается увидеться редко. Как показывают историческая практика и опыт великих художников – только каждодневный труд и затворничество приводят к действительно достойному результату. К сожалению, никаких фаворитов из современных и ныне живущих художников я выделить не могу, пока ни в одной из contemporary arts я не смог найти своего внутренне-го отклика. Но я, безусловно, люблю и уважаю таких художников, как Фрэнсис Бэкон, Эдвард Мунк, Пабло Пикассо, Дэвид Хокни, Марк Ротко, Кит Харинг, Анри Матисс, Ле Корбюзье, Ив Танги, Фрида Кало, Марсель Дюшан, Сальвадор Дали.

Сегодня понятие «самобытность» часто заменяет понятие красоты. Что красота для тебя?

Красота – это линия, это естественность, это флора и фауна. Во все времена люди вдохновлялись природой, подражали ей или копировали ее. Так что для меня она истинный источник и сам факт красоты.BLVD

 

DREAMS IN COLOR

Every work created by the Moscow surrealist Adil Aubekerov is simultaneously a sensual anthem of life and an uncompromising manifesto of the creator, consisting of dynamic lines and perfect color hits. In this issue of BLVD, the artist answered some questions about his understanding of pure beauty and responsibility to the viewer.

INTERVIEW JULIA ZOLKINA

PHOTOGRAPHY NIKITA SHALETIN

STYLE ANNA ZUBKOVA

MAKE UP AND GROOMING SASHA VARSUNINA

 

Adil, tell me, how does surrealism affect your your work?

The influence is quite straightforward. Most often I use my imagination – plus various objects, emotions, feelings – and transfer it to canvas or paper, so there is a certain combination of real and unreal, similar to dreams.

How important are festivals to a modern artist as a means of popularizing his art, his creative life? What festivals abroad would you like participate in?

I did participate in such an event once – it was the annual Outline 2016 techno music festival in Moscow. I worked on two walls there, and one of them was used for an album cover of  a musician named Philip Gorbachev. The festival itself was very cool, I got to meet a lot of interesting creative people. But at the same time I realized: my art that is probably not for festivals, but for galleries. Festivals are mainly musical in nature, the visual component plays more of a background role, in order to stylize a project. A year after the Outline, I was finally convinced that this is not my format. Artists do like participating in festivals, because such venues are visited by thousands of spectators, so this is a good advertisement. But every audience is different – just like artists and music. It’s good if you want to provoke a hype, but it’s useless if you want to be exhibited in Tate Modern or MoMA. Artists have specialized festivals – Art Basel, for example. That’s where I would like to be.

Tell me, please, how did you get to Moscow from Astrakhan – and do you have anything to do with Kazakhstan? Any desire to go somewhere else?

Initially,  three or four years ago, I tried to go to St. Petersburg. By chance, I got an order from Moscow and had to go there (although I considered the city too large to even care about me). But my theory was refuted almost instantly: I easily joined the rhythm and Moscow audience responded to my work, so I decided to stay. Not forever, of course (smiles). At the moment I’m interested in European galleries, but my plans are a secret for now. As with Kazakhstan... I have not been there yet, but I really want to visit. 

 

 

 

How productive are you as an artist? How much time and effort goes into every work and what does it depend on?

I work every day. Some paintings take ten minutes, others can take a month. Everything depends on inspiration and ideas. It often happens like this: some work I’ve done a month ago is already behind my new stuff, so I have to revise it and add something.

Your creative method is similar to Nadya Rusheva’s technique. Are drawing skills important to you? As a viewer, what do you look for in paintings you see on displays in museums?

Yes, I have a lot in common with Nadya Rusheva: I do not use erasers either, I do not make pencil sketches – I do not throw anything, I just paint. I love bold, slashing, clear, dynamic lines. Naturally, drawing skills are very important. I worked quite long on it, I copied not one sketchbook and used not one bundle of paper in order to achieve the result I have now. Only everyday work will make the line worthy, and the line is where it all begins, in fact, it’s pure beauty. While visiting exhibitions I seek for a response within myself, the effect that I can not find in everyday life – details, skill, genius.

Your work can often be found both in popular social media groups and simply in someone’s personal music posts – in mine as well. How do they reach out to you and how do you feel about it? Is there any benefit from these publications – and in general, is it cool to be a popular internet artist?

It’s certainly very cool – such posts reassure me in my opinion that art and beauty are alive and will always be, that it’s all not in vain. It motivates and inspires me. I’m just always very, very happy because of it – and thanks to everyone who does this! Benefit is quite a specific concept, but yes, there is some – from meeting all kind of people to receiving new orders.

Talking of your social network hype – do you receive letters from fans? And if they do write, what about? What, in your opinion, is the difference between a social network popularity and the real one – let’s call it “gallery fame”?

Yes, it’s incredibly nice (smiles). People thank me and share their feelings, often it grows into arguments about my life, philosophy, we talk about creative paths. For me, this is not just praise – it’s a responsibility. People want to observe the further development of an artist, and they usually write about it. Therefore, I can not retreat. Speaking of popularity – there is no difference. Today, someone who is popular on the web, is popular in real life, and vice versa.

  • "Сияние" / Shining, 2017

By the way, name the best thing about your life as an artist?

The most attractive feature of such lifestyle is, definitely, the possibility of immersion into another reality that is in your subconscious. You just enjoy it all, it makes you paint, create and experiment.

Tell us about your workshop – how was it created and when did you feel it was necessary to create it? What stage does it represent for you as an artist – the presence of a workshop?

For me, the workshop is not a stage, but a direct tool for achieving a better result, like more expensive paints, for example. If you work with large smelly formats or materials, you just need a large room to use it all. Now my workshop is an apartment in Moscow suburbs, it was originally made specifically for creating: professional studio light, high ceilings, minimalist design. I can not say that I created it, but I’m very glad that I found it.

Who are the contemporary artists, performers, sculptors worthy of attention? With whom of them do you communicate?

I do not have such a circle of people, I spend all my time creating, I just never liked parties and social events. In fact, my circle consists of my wife and few acquaintances, whom I see very rarely. As history and the experience of great artists show, only daily work and seclusion will lead to a truly worthy result. Unfortunately, I can not single out any favorites from contemporary and living artists, none of them yet raised my inner response. But I certainly love and respect such artists as Francis Bacon, Edvard Munch, Pablo Picasso, David Hockney, Mark Rothko, Keith Haring, Henri Matisse, Le Corbusier, Yves Tanguy, Frida Kahlo, Marcel Duchamp, Salvador Dali.

Today the concept of originality often replaces the notion of beauty. What is beauty for you?

Beauty is a line, it’s nature, it’s flora and fauna. People have always been inspired by nature, they imitated or copied it. So for me it is a true source of beauty.BLVD

 

comments powered by Disqus